Image
Image
Image

BENITO ROSAS

Image
La infancia de Benito transcurre en Lima, su lugar de nacimiento. Desde niño tiene inclinación por el modelado, paralelamente le inquieta la cerámica, cuenta que un compañero de la escuela llevó un huaco norteño, él sintió la necesidad de poseerlo y le ofrece dos bolsillos de canicas, un chiquito y dos soles; resultó ser lo más valioso para él durante su niñez.
La inclinación por las artes plásticas se manifiesta en el colegio, cuando gana un concurso de juegos florales en la especialidad de pintura, el profesor de Artes Plásticas le sugiere que visite los talleres de arte de la Universidad La Católica. Siguiendo el consejo del profesor fue a la universidad, llegó por casualidad a los talleres y ve una puerta entreabierta, asomó la cabeza y vio a Anna Maccagno quien lo invitó a pasar y le explicó sobre los exámenes de ingreso. A los veinte días, postuló, dio exámenes e ingresa. Decide por la especialidad de escultura y estuvo durante cinco años en el taller de Anna, su maestra y amiga por más de 30 años.
Desde entonces se dedica exclusivamente a la escultura con una copiosa producción que encadena fecundos periodos de evolución personal plasmada en composiciones de gran fuerza expresiva.

Claudia Salem

Image
Maderas que son retratos, que a la vez son amuletos, denuncias, Purgas, testimonios. Sirven para soñar, pedir, Manipular, jugar. Adobes, ruinas, muros que alguna vez oyeron, figuras que repiten lo irrepetible, evocando lo extraordinario de un pasado histórico, compartido, tanto como cotidiano de la historia familiar, íntima. Esconden, tras la simplicidad de su revelación, lo único verdadero, esencial y trascendente: la relación directa que existe entre lo más profundo de la intimidad de un individuo y la de todos los demás. Para Claudia Salem, es éste el fundamento del impulso creativo, los conceptos, las formas, las palabras sólo son instrumentos que nos trasladan, inevitablemente, a un momento en el que el miedo, la fe y la necesidad de buscar una explicación al mundo eran el principio de todo: arte, religión y supervivencia, lo mismo, indisolubles.
Las esculturas de Claudia Salem contienen un intenso silencio y nos instalan -con la sensatez, pasión y fe del hombre primitivo- en la primicia del recuerdo, fundamento de cualquier intento de vinculación simbólica con la condición humana. Cada retrato es una estaca en el tiempo. El hombre se rebela y se revela a través del arte: sus obras, imagen de sus afectos, conjuran de una vez y para siempre el desafío de su fugacidad.

Cristina Planas

Image

(Lima, 1970). Graduada con el 1er premio de escultura de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica de Lima, Cristina Planas ha desarrollado a lo largo de los últimos 20 años un conjunto de obras que reflexionan sobre la historia reciente del Perú: los años de conflicto armado, los límites entre la religiosidad y la violencia, las mudanzas sociales, la minería ilegal, entre otros temas. Uno de sus postulados es que el arte debe cumplir una función social y, por tanto, incomodar al espectador para generar una reacción y posterior reflexión. Como consecuencia, muchas de sus obras han desatado debates y discusiones en diversos sectores de la sociedad peruana.

 Cristina Planas, sólida, contundente terrenal, en ella no hay evasión sino reanimación. Más que espiritualidad ella tiende al desenfreno, porque esta proliferación de elementos fálicos que toma como pretexto el plátano, esa simbólica castración del hombre con una risa de la mujer que engulle la fruta, convierte a Cristina Planas en una escultora de extremo interés, Dentro de la nueva hornada de escultores peruanos hay pocos que tengan tanto que decir y que lo hagan de un modo tal que el concepto no niega la ironía ni el sexo. Por eso Cristina Planas es una escultora cuyo futuro debe ser atendido.

 Cristina Planas está también involucrada con la defensa de espacios públicos y el rescate de tradiciones ancestrales pre hispánicas. A su trabajo escultórico también suma experiencia como curadora y activa participación en proyectos de defensa del medio ambiente.

Eliana Mabire

Image
Los objetos de Eliana Mabire nos propulsan dentro de un universo mágico, un reino maravilloso y encantado en el que uno descubre seres de madera que nos hacen signos. A través de estas esculturas reencontramos lo esencial en la magia de la infancia. Personajes ornados con plumas emergiendo de lo imaginario o de una leyenda pasada: carruseles, cajas de música, etc.…
Lo original en este sistema de trabajo es la diversidad de materiales y técnicas utilizadas. La obra oscila entre un arte bruto, virgen de toda ornamentación, y una puesta en escena barroca. Los seres y los objetos que ella misma anima son de madera "bruta" por excelencia. Pero a Eliana Mabire el oro, las piedras preciosas, las plumas… Toda su obra pone en evidencia la dualidad de materiales, situándose en el límite de lo artesanal, de las técnicas antiguas y el modernismo. En efecto, para dar movimiento a los personajes deja entrever los hilos y cables, conservando la idea del "títere" Pero luego incluye un motor que pondrá en movimiento al objeto acercándonos a la idea del robot.

George Clarke

Image
George Clarke (Inglaterra, 1969) estudió Letras y posteriormente escultura en la Pontifica Universidad Católica del Perú, egresando en 1994. Ha realizado 4 exposiciones individuales (siendo las más importantes Perdiendo el tiempo, galería Miró Quesada Garland, 1999 y Colecta Pública, 2001, intervención urbana en centros culturales) y numerosas colectivas. Fue profesor de arte en la PUCP entre 1995 y 2004. En el 2000, paralelo a su trabajo docente y artístico, inició estudios de maestría en filosofía en la PUCP. En 2003 obtiene el título de Licenciado en Arte con mención en escultura con el trabajo de investigación Arte y Finalidad: Reflexiones sobre el carácter inútil del arte y la instalación Avisos de servicio público. 
 "Perdiendo el tiempo" es una instalación de trabajos escultóricos de George Clarke que, bajo la apariencia de la representación como opción artística, introduce una sensibilidad propia de un memento morí o recordatorio de la condición mortal del hombre y la mujer, en combinación con la realización de discretas puestas de escena de instantes anodinos, vividos o percibidos diariamente. Esta elección de comunicar el presentimiento de un final, en el que confluye el fin de siglo -evento escatológico moderno- y la anticipación del propio fin individual, evidentemente privilegia el tiempo y hace de él único actor o único detonante conceptual, según quiera vérsele, de la muestra.
Pese a estar poblada con un cierto número de figuras, la instalación parece ser por momentos un gran y simbólico desierto de tiempo, en el que potencialmente todo es espera y en el que todo puede suceder. Por eso puede decirse que el tiempo que corre visiblemente en la instalación se encarga de rebatir la percepción que el observador puede desarrollar acerca del carácter anodino de lo escenificado.

Johanna Hamann

Image
El arte de Johanna Hamann participa dialécticamente de dos principios sin comprometerse unilateralmente con ninguno de ellos. Dos pares de opuestos (idealidad y realidad; materia y espíritu; libertad y opresión; destrucción y creación) que podrían contraponerse planteando una. Estética de la dualidad y sus dramáticos conflictos. Sin embargo, este esquema conceptual aunque se aproxime, no logra. Abarcar aspectos esenciales de su exhaustivo trabajo. Sobre todo en lo que se refiere a la creación de obras de arte (validas por sí mismas), donde la. sensibilidad, la. Imaginación y un sentimiento trágico de la realidad interactúan,
El fierro o el Serrucho que atraviesa y desgarra la madera o la piedra, que penetra y descompone un cuerpo humano, es como un símbolo de una situación social e histórica, pero también de una condición humana (arque-típica) que Johanna Hamann expresa intensamente en sus esculturas. No como resignación o nihilismo, sino siempre a través de la paradoja y la belleza del arte -como en una crucifixión- pero en términos de los instintos y de la existencia, afirmando lo que somos: seres en un proceso de destrucción, confrontados con la precariedad y la muerte, mientras la resistencia vital y la creatividad se oponen, creando el momento de la tensión que las trasciende, revelándonos la dignidad de la vida y, al mismo tiempo, al arte como su expresión cultural más profunda y compleja.

Margarita Checa Arias

Image

Margarita Checa Arias-Schreiber (Lima, 17 de octubre de 1950) grabadora y dibujante, es considerada además como una de las más notables escultoras figurativas de la plástica peruana. Ha desarrollado su trayectoria en varios países del extranjero y, actualmente, reside permanentemente en Lima.
Margarita Checa Arias-Schreiber,  estudió en la Pontificia Universidad Católica del Perú PUCP (1972 – 1979); y en el taller de Cristina Gálvez (1975-1980), bajo la dirección de Leslie Lee (1984-1985).  Colaboró con Tilsa Tsuchiya en la fundición de sus últimas esculturas. Entre 1982 y 1992 dirigió el Taller de Cristina Gálvez y, entre 1992 y 1993, fue profesora de dibujo en la Escuela Corriente Alterna. Posteriormente, trabajó en un taller privado de escultura en San José de Costa Rica (1993 y 1995).

 

Nani Cárdenas

Image
Sin romper el compromiso con la realidad inmediata, las esculturas en madera y bronce de Nani Cárdenas plantean un retorno a las fuentes primarias de la creación: mujer, hombre, niño. En este cosmos protagonizado por la pareja y el niño, la intimidad del ser humano y la búsqueda de la esencia de la vida se juntan en una única gran metáfora que es al mismo tiempo autobiografía y cuestionamiento. Lo que se inicia con el placer de la vista - obras bellas y armónicas, cálido cromatismo - desarrolla una intertextualidad simbólica, sintética y corpórea a la vez. El sentido íntimo e introspectivo percibido desde el primer momento se vuelve reflexivo y poético, trascendental como idea y forma.
Surgen en toda su complejidad los motivos del amor, del deseo, de la ambivalencia de la creación y la destrucción, del contacto entre el mundo interior y exterior, del reinicio a partir de la fuerza del inconsciente. Envolvimiento y desnudez, muerte y renacimiento, la asociación Eros - Thanatos despliega sus misteriosas formas y advertencias, en una refinada coincidencia oppositorum que exaltan la espiritualidad.

Contactos

Lima - PERÚ 

Jaime Alvarado Vicuña

  • dummy +(51) 993 731 180

  • dummy +(51) 925 089 241

  • dummy jaimealvarado66@gmail.com

BOLETIN INFORMATIVO

Search